Nachricht

Jun 09, 2023

Rekordzeit: Neue und bemerkenswerte Vinyl-Veröffentlichungen (Juni 2023)

Record Time ist die monatliche Kolumne von Paste, die einen Einblick in die große Auswahl an neuen Vinyl-Veröffentlichungen gibt, die derzeit die Plattenläden auf der ganzen Welt überschwemmen, sowie in die gesamte Ausrüstung, die dazu gehört

Record Time ist Pastes monatliche Kolumne, die einen Einblick in die große Auswahl an neuen Vinyl-Veröffentlichungen gibt, die derzeit Plattenläden auf der ganzen Welt überschwemmen, sowie in die gesamte Ausrüstung, die Teil des anhaltenden Aufschwungs der Vinyl-Kultur ist. Anstatt jedes frische Stück Wachs auf dem Markt aufzubrauchen, konzentrieren wir uns auf Sondereditionen, Neuauflagen und ungewöhnliche Titel, die auf unserem Schreibtisch landen, und sind daran interessiert, sowohl über die Musik als auch darüber zu diskutieren, wie sie gepresst und präsentiert wird. In diesem Monat gibt es jede Menge fantastische Jazz-Neuauflagen, neue Stücke eines Quartetts aus Atlanta mit tiefen Wurzeln in der Rockwelt und einen weiteren atemberaubenden Einstieg in die Diskographie einer lebenden Legende.

Dorothy Ashby: The Rubáiyat of Dorothy Ashby / Gabor Szabo: The Sorcerer / Ahmad Jamal Trio: The Awakening / Archie Shepp: Kwanza (Verve / UMe)

Die jüngste Ankündigung, dass Blue Note Records für eine Reihe von Neuauflagen mit Third Man Pressing, der Vinyl-Produktionsstätte in Detroit, die zu Jack Whites Imperium gehört, zusammenarbeiten wird, ist nur ein weiterer Beweis für die Qualität der geleisteten Arbeit Dort. Die Ingenieure nehmen ihre Arbeit sehr ernst und die Sammler auf der ganzen Welt haben davon profitiert. Als Beweis dafür sind diese Neuauflagen der By Request-Serie von Verve genau das Richtige. Diese vier LPs repräsentieren die große Bandbreite an Musik, die unter dem Dach des Jazz fällt. Da ist die Harfenistin Dorothy Ashby, die die Poesie von Omar Khayyam als Ausgangspunkt für ein wildes Album voller Bop-Symphonien und Bossa-Nova-Grooves nutzt; Archie Shepp wird mit seiner Hommage an den afrikanischen Feiertag, der dem Album von 1974 seinen Namen gab, funkig und frei; und Gabor Szabo tauscht Gitarren-Licks mit Jimmy Stewart, während der Rest seiner Band lateinamerikanische Psych-High-Noten wie Santana in Bestform spielt. Das Kronjuwel dieser Serie ist jedoch „The Awakening“, eine passend betitelte LP von Ahmad Jamal, die trotz der geschmackvollen Zurückhaltung des Pianisten einen Hauch spiritueller Sehnsucht ausstrahlt, der wie eine Quelle aus der Musik sprudelt.

Ray Barretto: Long Live Music (Craft Recordings / Fania)

Ich erwähne das wahrscheinlich jedes Mal, wenn ich über ein Album von Fania Records schreibe, das Craft Recordings auf Vinyl erneut veröffentlicht hat, aber das letztgenannte Label erweist den Fans lateinamerikanischer Musik und Plattensammlern mit dieser fortlaufenden Serie von Neuauflagen einen großen Dienst. Sie vertrauen die Remastering-Arbeit dem großartigen Kevin Gray an und pressen super leises Vinyl – umso besser, um diese temperamentvollen Sounds erstrahlen zu lassen. Die 50-jährige Jubiläumsausgabe von Ray Barrettos brillanter Salsa-Feier Que Viva La Musica bildet da keine Ausnahme. Während ich versuchte, diesen Klappentext zu schreiben, hörte ich nach jedem zweiten Satz auf, da ich spürte, wie ich von den schreienden Bläserlinien und der hypnotisierenden Percussion-Arbeit von Barretto, John Rodriguez und dem großen Orestes Vilato angenehm abgelenkt wurde. Die einzige Möglichkeit, es besser zu machen, wäre, wenn die Band physisch im selben Raum wie ich wäre, während sie diese Songs durchspielt. Diese LP kommt dieser Fantasie im Jahr 2023 so nah wie möglich.

Michael Blake & Chroma Nova: Tanz der mystischen Glückseligkeit (P&M)

Der Saxophonist Michael Blake spricht über die Musik, die er für dieses Album geschrieben hat, nicht nur als willkommene Ablenkung von der globalen Pandemie, sondern auch vom Verlust seiner Mutter im Jahr 2018. Indem er sich auf seine kreativen Leidenschaften stützte, bewahrte er seinen Verstand. Und was aus diesem dunklen Abschnitt herauskam, ist eine Aufzeichnung unterschiedlicher Stimmungen und Energien. Die Wolke der Trauer schwebt immer noch in der Nähe, aber es gibt eindeutig das Gefühl, dass Blake diese Plattform nutzen möchte, um das Leben in all seiner Unordnung zu feiern. Er mildert die Botschaft schön ab, indem er zwei Percussionisten anstelle eines traditionellen Trap-Kit-Schlagzeugers einsetzt. Die Energie und der Schwung sind immer noch vorhanden. Es gibt einfach viel mehr Raum für Kontemplation und Raum für ihn, seine gegensätzlichen Gefühle durch seine Tenorsaxophon- und Flötensoli im hypnotisierenden „Prune Pluck Pangloss“ oder in den Latin-Breakbeats, mit denen er und der Gitarrist Guilherme Monteiro in „Little Demons“ spielen, auszudrücken.

Cleveland Orchestra: Mussorgsky: Bilder einer Ausstellung / Night on Bald Mountain / Lang Lang: Rachmaninoff: Klavierkonzert Nr. 3 in d-Moll, Op. 30 / Skrjabin: Etüden (Telarc / Craft Recordings)

Fans klassischer Musik sind die ultimativen Early Adopters und stürzen sich in die Welt der neuen Audiotechnologie, sobald diese verfügbar ist. Umso schöner ist es, ihre Lieblingsstücke und Darbietungen in höchstmöglicher Wiedergabetreue zu hören. Aus diesem Grund fühlt sich die Ankündigung einer großen Neuauflagenkampagne von Telarc, einer tragenden Säule der klassischen Musikwelt seit 1977, die auch Neuauflagen auf Vinyl umfasst, fast regressiv an. Das Label hat das Format nicht ganz aufgegeben und in den letzten zwei Jahrzehnten nur spärlich neue LPs veröffentlicht. Aber ich frage mich, wie viele Leute Schlange stehen werden, um die ersten beiden Alben dieser Serie zu ergattern. Die gute Nachricht ist, dass sie nicht enttäuscht sein werden, wenn sie es tun. Beide Pressungen sind makellos, dank der Arbeit des Ingenieurs Paul Blackmore, der beide Scheiben mit hochwertigen digitalen Dateien gemastert hat, und Ryan Smith von Sterling Sound, der die Lacke geschnitten hat. Die Aufführungen zweier Stücke von Modest Mussorgsky durch das Cleveland Orchestra, die ursprünglich 1978 aufgenommen wurden, klingen besonders lebendig, da der Komponist Lorin Maazel die Spannung und Schönheit jedes einzelnen Werks hervorhebt.

Corvair: Bound to Be (Papierwände)

Heather Larimer und Brian Naubert, die beiden Talente hinter der in Portland ansässigen Gruppe Corvair, haben starke Wurzeln in der Musikszene des Nordwestens. Ersterer war Mitglied der Garage-Rock-Gruppe Eux Autres, während Letzterer in verschiedenen Ensembles wie dem großartigen Ruston Mire spielte. Nachdem sich die Wege der beiden jahrelang gekreuzt hatten, beschlossen sie schließlich, ihre Kräfte mit dem neuen Projekt Corvair zu bündeln, und wir sollten unserem Glück dafür danken. Wie ihr zweites Album „Bound to Be“ beweist, haben diese beiden eine ständige Liebe zum reinen Pop-Songwriting im Stil ihrer Kollegen aus der oberen Linken wie den Posies (der ehemalige Schlagzeuger dieser Band, Mike Musberger, war bei den thailändischen Aufnahmen mit der Gruppe dabei) und die Schienbeine. Was sie in ihre Songs mit Bedacht einbauen, sind Anklänge an Dream-Pop und Shoegaze. Diese Elemente werden mit Sorgfalt angewendet und verleihen dem Material eine gewisse Textur und Dynamik, die andernfalls möglicherweise verrutscht wäre. Das fertige Produkt ist dickflüssig und süß wie Honig.

Decisive Pink: Ticket To Fame (Fire)

Alles an Decisive Pink, dem Elektro-Pop-Crossover-Event mit Deradoorian und Kate NV, deutet darauf hin, dass die beiden Künstler bei der Zusammenarbeit die beste Zeit ihres Lebens haben. Das Paar trägt passende Weltraum-Glamour-Outfits, komplett mit New Romantic-Make-up und Frisuren. Und die Musik, die sie zusammen machen, ist höllisch verspielt, sie drehen Knöpfe, stecken Patchkabel ein und klatschen in wahnsinnigen, synchronisierten Bewegungen auf die Tasten eines Synthesizers. Welche Themen aus dem digitalen Staub- und Glitzerspray hervorgehen, ist unser fragiles Verhältnis zur Technologie – eine eigene Art von modernem Tanz, während wir versuchen, den Silberstreif am Horizont in umständlichen automatisierten Telefonchats, im Berufsverkehr und in unterbrochenen Kommunikationswegen zu finden. Es sind die menschlichen Berührungen, die in den Texten verborgen sind und in ihrem farbenfrohen musikalischen Zusammenspiel zum Ausdruck kommen, die verhindern, dass das Album völlig zur Verzweiflung wird. Diese beiden großartigen Künstler sehen die anstehenden Probleme und kommentieren sie, ohne es zu wagen, langweilige Lösungen anzubieten, außer tief in sich hineinzuschauen oder alles auf der Tanzfläche rauszulassen.

Ani DiFranco: Little Plastic Castle (Righteous Babe)

Obwohl sie in den letzten Jahren ihre Leistung verlangsamt hat, hielt Ani DiFranco fast 16 Jahre lang ein rasantes Tempo aufrecht. Ab 1990 brachte sie fast jedes Jahr ein Album heraus und fand irgendwie die Intelligenz und Energie, um zwischen ihren häufigen Tourneen und der Leitung ihres Labels Righteous Babe ein stetiges Songwriting-Programm aufrechtzuerhalten. Mitten in diesem Lauf erschien ihr neuntes Studioalbum „Little Plastic Castle“. Die Platte wurde 1998 veröffentlicht und ist jetzt zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Sie wurde von der Kritik auf DiFranco aufmerksam gemacht, da die großen Musikpublikationen ihre zahlreichen Fans und Musikmengen nicht länger ignorieren konnten. Es verhalf der Buffalo-Künstlerin zu ihrem bisher höchsten Platz in den Billboard-Charts (Platz 22) und einer Grammy-Nominierung. Beeindruckende Meilensteine, wenn man bedenkt, dass DiFranco es nicht wagte, die Akzeptanz des Mainstreams zu erringen. Die Musik auf „Castle“ blieb ihrer Marke aus energiegeladenem Folk-Pop und kompromisslos kühner Lyrik treu, auch wenn sie von den Einflüssen von R&B und Reggae schöpft. Der Reiz dieser orangefarbenen Vinyl-Veröffentlichung wird durch eine vierte Seite verdoppelt, die bisher unveröffentlichte Probeversionen von drei Songs enthält, die DiFranco, die Bassistin Sara Lee und der Schlagzeuger Jerry Marotta in einer einzigen Aufnahmesitzung herausgehauen haben. Das Geben und Nehmen ihres Spiels ist elektrisierend und macht die Tatsache, dass dieses Trio nie wieder zusammengearbeitet hat, umso bedauerlicher.

Dr. John: Die Montreux-Jahre (BMG)

Die Archive von Claude Nobs, einem Sammler von Audio- und Videoaufnahmen, die beim Montreux Jazz Festival aufgenommen wurden, werden für diese Reihe von Vinyl-Veröffentlichungen weiterhin ausgewählt. Ich bin mir der ganzen Sache nicht sicher, denn für einen Musikbesessenen wie mich ist es ein Fest, sich dieses Material anzuhören. Aber ich frage mich, warum sie nicht einfach die kompletten Konzerte veröffentlichen, anstatt Highlights aus den vielen Auftritten eines Künstlers beim Festival zusammenzustellen. Ein großartiges Beispiel ist dieses Set zu Ehren des verstorbenen New Orleans-Maestro Dr. John. Es beginnt mit einem Liedertrio aus dem Jahr 1986, in dem außer seinem Klavier und seiner sofort erkennbaren Stimme nichts zu hören ist. So großartig der Rest des Sets auch ist, in dem der gute Arzt mit Freunden wie Trombone Shorty und Cranston Clements spielt, hat nichts davon die gleiche Schlagkraft und Energie wie sein Soloauftritt. Schenken Sie uns das komplette Essensangebot und nicht diese leckere, aber wenig sättigende Probierplatte.

Bob Dylan: Shadow Kingdom (Columbia)

Angesichts der harten Wendungen und bizarren Wendungen, die Bob Dylan in seiner sagenumwobenen Karriere erlebt hat, ist es nicht überraschend, dass der Singer-Songwriter für sein 40. Studioalbum zu der Quelle zurückkehrte, die seine frühen Triumphe speiste. Shadow Kingdom wurde 2021 mit einem erstklassigen Team von Session-Musikern (Gerüchten zufolge waren T Bone Burnett und Don Was beteiligt) zur Verwendung in einem Konzertfilm aufgenommen. Dylan nimmt ein Dutzend Titel aus dem ersten Teil seiner Plattengeschichte neu auf und a Einsame neue Melodie. Es ist die Art von Schritt, den alteingesessene Künstler unternehmen, wenn ihnen die Ideen ausgehen oder sie versuchen, ihre Verlage zu umgehen, damit sie Titel für die kommerzielle Nutzung lizenzieren können. Das ist am weitesten von diesen faulen Manövern entfernt. Dylan interpretiert die Songs neu, damit sie besser zum gegenwärtigen Achtel seiner Stimme und zu einem percussionfreien Ensemble passen, das stark auf dem Akkordeon und den manchmal harten Pinselstrichen der Akustikgitarre basiert. Es ist atemberaubend, wenn man hört, wie sich ein Lied, das so tief im Popbewusstsein verankert ist, wie „It's All Over Now Baby Blue“ in ein wogendes Stimmungsstück verwandelt, oder der Barroom-Blues von „Forever Young“ in einen langsamen Tanz bei Kerzenschein verwandelt. Eine der angenehmeren Überraschungen des bisherigen Jahres.

Ekiti Sound: Drum Money (Crammed Discs)

Leke Awoyinka, der nigerianische Produzent namens Ekiti Sound, ist Teil einer wachsenden Generation von Künstlern, die sich von Genres lösen. Sie haben den einfachen Zugriff auf Aufnahmen aus den entlegensten Winkeln der Welt genutzt und diese an ihre Bedürfnisse angepasst. Im Fall von Awoyinka ist es der Wunsch, die langjährigen Poptraditionen seines Heimatlandes in neue Formen zu bringen, die von moderner elektronischer Tanzmusik, psychedelischem Rock und Hip-Hop-Subgenres wie Trap und Drill geprägt sind. Das fertige Produkt fühlt sich sprudelnd und ekelhaft an, voller Hüften und Hintern und einem mit Endorphinen gefüllten Gehirn. Damit gehört Awoyinkas neues Album „Drum Money“ zu den bisher besten des Jahres – ein schülererweiterndes Feuerwerk an Beats und Intentionen, das seine gesellschaftspolitischen Anliegen mit einem schlauen Augenzwinkern und spielerischen Anspielungen auf gesellschaftliche Normen zum Ausdruck bringt. Songs wie „Chairman“ und „Ghost Leader“ sind sowohl ehrgeizig als auch kritisch und bringen mit brennendem Groove und frecher Freude seine Besorgnis über die zunehmende Einschleusung westlicher Interessen in die Wahlen und die Wirtschaft seines Landes zum Ausdruck.

Gringo Star: On and On and Gone (My Anxious Mouth)

Das Atlanta-Quartett Gringo Star verfügt über einen soliden musikalischen Stammbaum mit dem Großvater von Nick und Peter Furgiuele, den beiden Brüdern an der Spitze dieses Projekts, die in den 50er und 60er Jahren als Radio-DJ und Promoter arbeiteten. Ihre offensichtliche Neugier auf ihre Familiengeschichte führte dazu, dass die Jungs in die Geschichte des Southern R&B und Rock vertieft wurden, was sich natürlich auf ihre Talente als Songwriter und Instrumentalisten auswirkte. Daher machen sie seit 2007 als Gringo Star Lärm und verfeinern langsam ihren Sound, während sie sich etwas annähern, das der „Beach-Gothic“-Atmosphäre der Growlers nahekommt. Das neue Album „On and On and Gone“ ist die bisher kristallisierteste und raffinierteste Version dieses Projekts. Mit viel Hall und einer täuschend entspannten Attitüde spielt die Band wie eine Jukebox voller klassischer 45er, während sie die Punkte zwischen Surf und Exotik, R&B und Country, Indie-Rock und Soul verbindet. Der schäbige Ton wirkt wie eine Finte, um ihre Fähigkeiten als Arrangeure (auf dieser Platte wimmelt es von den Klängen einer Streichersektion) und die rohe Poetik ihrer Texte leicht zu verschleiern. Dieser Rekord ist tiefgründig.

The Invisible Hands: The Big Minute (Entführung)

The Invisible Hands prahlen damit, dass sie „die einzige Folk-Psychedelic-Rock-Band sind, die jemals aus Ägypten stammt“ – die perfekte Art einer fast übertriebenen Behauptung, die wirklich schwer zu bestätigen ist. Es steht außer Frage, dass diese Gruppe nach wie vor eine der besten Folk-Psychedelic-Rock-Bands ist, die in den letzten zwei Jahrzehnten in Afrika entstanden sind. Mit der unverkennbaren Präsenz von Alan Bishop von Sun City Girls stöbert das Quartett durch eine Sammlung markanter Originale und sorgfältig ausgewählter Cover, die aus einer Wundertüte mit über 100 Songs stammen, die sie gehortet haben. Das gesamte Album durchläuft eine Art Entropie, während es zu Beginn mit knochenbrechender Absicht und Lautstärke zusammenhält und sich im Laufe der Zeit langsam auflöst. Im Endspurt beginnt die Musik auf herrliche Weise ihre Form zu verlieren. Während Bishop mit seiner Gitarre versucht, die Stücke zusammenzufassen, beginnen die dröhnenden und halluzinatorischen Elemente alles zu überwältigen. Erst im Schlussteil „Beefheartian“ (treffend „Satan's Acid Party“ genannt) gerät ein letztes Aufflackern von Lautstärke und Wut schließlich in Vergessenheit.

Wynton Kelly Trio / Wes Montgomery: Smokin' at the Half Note / Alice Coltrane: Journey in Satchidananda / Stan Getz / Charlie Byrd: Jazz Samba (Verve / Acoustic Sounds)

Verves andere laufende Neuveröffentlichungskampagne – die Acoustic Sounds Series – ist dieses Jahr gut vorangekommen, darunter drei Veröffentlichungen, die die besondere Sonderbehandlung verdienen, die ihnen Quality Record Pressings in Salinas, Kansas, zuteil wird. Das Kronjuwel dieses Trios ist Alice Coltranes Journey in Satchidananda, ein umwerfend kraftvoller spiritueller Jazz-Ausdruck mit einigen unheiligen Klängen des Saxophonisten Pharoah Sanders und einem Tornado einer Live-Performance, der bei der richtigen Lautstärke Ihr Zuhause aus den Fugen heben könnte. Dennoch sollten Sie die beiden anderen Neuveröffentlichungen nicht verschlafen. Wynton Kelly und sein Trio freuen sich sichtlich darüber, dass Gitarrist Wes Montgomery an ihrer Seite ist, vor allem, als er in ihrer Version von „If You Could See Me Now“ und Sam Jones' flotter Komposition „Unit 7“ einige blitzschnelle Soli hinlegt. Charlie Byrd hat eine ähnliche Wirkung auf den Tenorspieler Stan Getz und seine frühe Auseinandersetzung mit lateinamerikanischer Musik, Jazz Samba. Die beiden spielen so gut gegeneinander aus, wie bei ihrer schwebenden Interpretation von „One Note Samba“, bei der Getz einen kurzzeitig hitzigen Lauf hinlegt Noten, die Byrd zu einem kleinen Fingertanz auf seiner Akustikgitarre inspirieren.

Sun Ra und sein Intergalactic Solar Arkestra: Space is the Place: Musik aus dem Original-Soundtrack (Modern Harmonic)

Der trippige, afrofuturistische Film „Space is the Place“, ein Schaufenster für die kosmischen Köpfe und Talente des Jazzkünstlers Sun Ra und seines Arkestra, wurde ursprünglich 1974 veröffentlicht und hat seitdem Zuschauer und Denker umgehauen. Obwohl ein Jahr zuvor ein gleichnamiges Album herauskam, wurde der richtige Soundtrack zum Film erst 1993 auf CD veröffentlicht. Seitdem ist er immer wieder vergriffen. Die Musik erhält die Luxusbehandlung, die sie verdient, dank der Leute vom Sundazed-Ableger Modern Harmonic, die sie erneut auf CD und in einer Deluxe-Box herausbringen, die die Musik auf drei farbige Vinyl-LPs verteilt und eine DVD/Blu-Box beilegt. Ray-Kopie des Films und eine süße Einkaufstasche. Der Soundtrack ist ein vollständiges Bild dessen, wozu die Arkestra fähig waren: experimentelle Freakouts, afrikanische Percussion-Breakdowns, Noir-artiger Bop und rechtschaffener Spiritual-Jazz. Dieses Set enthält eine Fülle von bisher unveröffentlichtem Material, das sich an die freiere Seite der Band anlehnt und das kreischende Saxophon von Marshall Allen und Danny Davis sowie den mächtigen Gesang des verstorbenen June Tyson hervorhebt.

Superbloom: Life's a Blur (selbstveröffentlicht)

Superbloom, die Rockband aus Brooklyn, möchte Sie glauben machen, dass es sich bei ihrem neuesten Album lediglich um eine EP handelt. Ich verstehe ihre Logik, da die vollständige Veröffentlichung knapp eine halbe Stunde dauert. Andererseits war „Meet the Beatles“ in etwa 26 Minuten fertig und verstaubt, und John Mellencamp brachte sein 1994 erschienenes Album „Dance Naked“ in etwas mehr als 29 Minuten heraus. Musikalisch sind das schlechte Vergleiche, da dieses Quartett in einer Zone landet, die näher am Shoegaze liegt, aber über genügend Punk verfügt Elemente, die dafür sorgen, dass ihre Songs lebhaft und energiegeladen wirken. Abgesehen von der Semantik ist es eine wahre Freude, diesen Klangknall auf dem Plattenspieler zu haben (das leuchtend orangefarbene Wachs schadet in dieser Hinsicht sicherlich nicht). Diese vier Herren spielen mit solch rechtschaffener Hingabe und halten sich selbst am Rande des völligen Chaos, während nur das dynamische Schlagzeugspiel von Matteo Dix und Dave Hoons silberner Gesang alles und jeden in Schach halten.

Verso Records: Band Eins (Verso Records)

Ich hoffe, dass die Community in Connecticut, die von der Westport Library betreut wird, weiß, wie gut sie es hat. Sie verfügen nicht nur über eine Leihbibliothek mit Musikinstrumenten und eine leicht zugängliche Galerie mit selbst produzierten Video- und Podcast-Inhalten, sondern beherbergen auch die Verso Studios, einen Aufnahmeraum, der die lokale Musikszene unterstützen und als Lehrzentrum für angehende Ingenieure dienen soll . Als ob das noch nicht genug wäre, hat die Bibliothek beschlossen, ihr eigenes Plattenlabel zu gründen – Verso Records –, das sie diesen Monat mit der Veröffentlichung dieser wunderbaren Vinyl-Zusammenstellung von Material verschiedener Acts aus der Region Westport ins Leben gerufen hat. Wie zu erwarten ist, handelt es sich um eine breite Palette an Sounds, wobei Flameproof Mascara den Noise-Punk liefert, etwas Roots-Hip-Hop von MIGHTYMOONCHEW und Dooley-O, und das John Collinge Jazz Quartet bietet eine schöne Interpretation von „I Could Write a Book“. “ und etwas von „der größten (und einzigen) All-Hockey-Band der Welt“, The Zambonis. (Die Hanson Brothers wären da anderer Meinung.) Von der zitronengelben Vinylplatte bis hin zum begeisterten Testimonial von Talking Head Chris Frantz in den Linernotes ist eindeutig ein Gefühl von Wärme und Freude zu spüren. Das Projekt war eindeutig eine Herzensangelegenheit für alle Beteiligten und sie behandelten jeden Teil davon mit entsprechender Sorgfalt und Bürgerstolz.

Warren Zevon: Excitable Boy (Mobile Fidelity Sound Labs)

Nachdem Mobile Fidelity einen PR-Sturm überstanden hatte, als bekannt wurde, dass sie einen digitalen Schritt im Mastering-Prozess für ihre angeblich „rein analogen“ Veröffentlichungen nutzten (und 25 Millionen US-Dollar für die Beilegung einer Sammelklage aufgewendet hatte), schreitet Mobile Fidelity weiter voran mit ihrem Programm hochwertiger Vinyl-Ausgaben klassischer Alben. Im vergangenen April landete die Nadel bei „Excitable Boy“, dem dritten Album und dem kommerziellen Durchbruch des beliebten Sängers/Songwriters Warren Zevon. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung im Jahr 1978 war Zevon eine beliebte Figur in der LA-Szene, und die Credits für seine vorherige selbstbetitelte Veröffentlichung spiegelten dies wider, da von Glenn Frey über Bonnie Raitt bis hin zu Phil Everly alle da waren, um mitzuhelfen. Excitable verfügte über eine ähnliche Gästeliste, darunter die Rhythmusgruppe von Fleetwood Mac, Linda Ronstadt und Co-Produzent Jackson Browne, aber es gab auch besseres Material wie das bissige „Lawyers, Guns and Money“ und den Insta-Klassiker „Werewolves of London“. Diese Neupressung geht sorgsam mit der Musik um. Die LPs werden mit 45 U/min geschnitten und liegen flüsterleise auf dem Plattenteller. Kein Detail des Albums geht verloren und klingt zeitweise kräftiger und kühner als frühere Pressungen.

WERDEN SIE DIREKT IN IHREN EINGANG EINFÜGEN

Die beste Musik, Filme, TV, Bücher, Comedy und mehr.

Melden Sie sich an